Este es un fragmento de una entrevista reciente que hice con Rebecca Britt para Fstoppers. Lee toda la entrevista aquí.

Fstoppers/Rebecca Britt: Siempre me fascina cuando un fotógrafo utiliza su talento para una causa mayor que tan solo para sí mismos. SlickforceGirl es una marca comercial y creativa que ayuda a aumentar la concienciación por las causas femeninas y el cáncer de mama. Recientemente he tenido la oportunidad de entrevistar al creador de las series Mastering Lighting, Nick Saglimbeni, y quería sentarme con él para conversar sobre la campaña SlickforceGirl y cómo utiliza las técnicas enseñadas en Mastering Lighting dentro de la campaña.

FS: Soy una seguidora de tu marca SlickforceGirl desde hace un par de años. ¿Puedes explicar a nuestros lectores que te hizo comenzar la idea de SlickforceGirl? 

Nick Saglimbeni: Cree originariamente SlickforceGirl porque me encontré en una encrucijada con mi arte. Mi carrera comenzó a rodar primero en el mercado del glamour urbano, un escenario que impulsa un enorme seguimiento de fans pero muy poco reconocimiento fuera de ese mundo. Las modelos son preciosas y con  tanto talento como – y en algunos casos, mucho más trabajadoras – que sus homólogas “famosas”, pero porque tienen curvas, o poseen una etnia o son más bajitas están históricamente limitadas a papeles como “chicas para videos musicales”.

Yo siempre he visto el color, las curvas y las formas como activos en lugar de trabas, y creo que sé instintivamente cómo fotografiar a esas mujeres de un modo que es diferente a como se había hecho antes en este mundo. Quería crear un universo diferente lleno de mujeres con caracteres fuertes para una nueva generación que no está acostumbrada a que todos los personajes sean altos, delgados y blancos.

FS: La escala de tu personaje de la Astronauta Vanessa parece masivo, parece más una película. ¿Cómo elegiste la ubicación y por qué? 

NS: Hablando visualmente, la historia de Vanessa fue logísticamente la más difícil de fotografiar, pero por otro lado fue la más desafiante que he fotografiado. Parecía como si estuviéramos rodando una película, y todos nos volvimos productores intentando encontrar la manera de conseguir un valor propio de una producción cinematográfica en el presupuesto de una sesión fotográfica. Nunca entenderé esta nueva era de componer todo simplemente en un fondo fotográfico. Estar en una ubicación más amplia es por lo menos la mitad de divertido y cambia la energía de la sesión radicalmente.

Encontramos un montaje de una enorme nave espacial que fue construida en un escenario de sonido para una película de ciencia ficción, y todavía no lo habían destrozado. Arquitectónicamente estaba perfecto, pero estéticamente muy gris y monótono. Yo quería una paleta de colores muy elegante para nuestra versión pop del espacio profundo, similar a las escenas bio-luminiscentes de James Cameron en Avatar.

Una de las maneras para lograrlo fue a través del disfraz y el glamour. Originariamente habíamos planeado vestir a la  modelo Vanessa Veasley es un traje real Mercury de la NASA,  pero descubrimos rápidamente que eran demasiado voluminosos por lo que era imposible fotografiar nada que fuera ni remotamente sexy. Así que decidimos que le hicieran un traje espacial a medida y utilizar tejidos con brillos reflectantes para captar “el control del brillo” alrededor de la nave espacial.

FS: ¿Cómo enfocaste la iluminación para este concepto?

NS: Para la escena de la cabina de pilotos, teníamos dos motivadores de iluminación – el resplandor interior de los monitores y los controles del puente de mando y el brillo exterior de las estrellas. No hay realmente iluminación en el espacio exterior, así que estudié unos viejos artículos en el American Cinematographer sobre Armageddon y Terminator 2 para inspirarme.

No quería tratar con una sobre exposición de pantallas verdes, así que diseñamos dos proyectores blancos de 12×12 fuera de la ventana de la cabina iluminados con 4 focos de 2400w/s. La composición es mucho más fácil en escenas inmóviles que en una imagen en movimiento, por tanto puedes utilizar cualquier tipo de color que desees imponer en la imagen. Después creamos “toques de nebulosa” señalando un par de bandas y cajas atenuantes con geles rosas y violetas directamente a Vanessa. El truco para lograr que el ambiente espacial exterior fuera creíble era dejar que parte de la escena quedara completamente en negro, por lo que tuvimos mucho cuidado de no sobre exponer el reducido espacio que poseíamos. Para el brillo de la cabina interior, colocamos dos pequeñas franjas de focos atenuados doblemente con geles azules acero alrededor de la nave y detrás de la cámara.

Esta escena fue fotografiada con ISO 100 en lentes de 50mm (formato medio). Incluso aunque íbamos con amplitud suficiente, el mayor reto es  mantener la profundidad de campo a esa velocidad porque teóricamente, Vanessa y las “estrellas” necesitaban estar enfocadas. Finalmente, logramos conseguir la iluminación en un split F4&5.6, y entonces ahí fije las lentes a F8 y les deje subexponerse en dicho split, excepto para algunas áreas más destacadas de su traje. Hubiera llevado demasiada potencia conseguir un ambiente mayor, y si realmente hubiera estrellas a través de esa ventana, la luz que alcanzaba a al nave sería perfectamente creíble unas paradas antes de la clave. Además, los azules y los violetas se saturan mejor con una iluminación más oscura que los colores cálidos, así que termino funcionando a nuestro favor.

(Lee la entrevista completa en aquí.)

— ¡Mi agradecimiento a Rebecca y al equipo de Fstoppers por su gran entrevista!